Mihaela Radulescu 17/06/20
La realización cinematográfica se nutre de recursos
literarios, fotográficos, musicales, de artes visuales y artes escénicas, de la arquitectura y, por supuesto
del arte audiovisual por lo general,
con todas sus posibilidades expresivas y tecnológicas. En cuanto a sus
referentes para la construcción de realidades ficticias, el cine se hace, se recibe e interpreta en función del contexto y de la memoria
colectiva; también del imaginario colectivo, con sus deseos, miedos, traumas,
proyectos, fobias. Para observar las huellas del contexto actual en el cine y
el rol del imaginario colectivo nos remitimos
al cine de Quentin Tarantino. La presencia de la violencia y las modalidades en las cuales se manifiesta tienen un arraigo
psicológico colectivo. Es significativo también el encuentro de Quentin
Tarantino y Robert Rodríguez en un proyecto como “Grindhouse" (2007) que
incluye "Planet Terror" de Robert Rodríguez
y "Deathproof" de Quentin Tarantino. Rodríguez con su historia
de zombies y Tarantino con su thriller de carreras no sólo rinden homenaje al
cine de serie B sino también al imaginario popular de la violencia.
Grindhouse trailer subtitulado
"DEATH PROOF" (Película completa) de QUENTIN TARANTINO
Planet Terror - Trailer - Subtitulado en español
Para evaluar el cine en esta perspectiva de la lectura de
las huellas que el contexto y la memoria colectiva deja en el, propongo la
lectura de leer la crítica cinematográfica “La vida privada de Farinelli” de
Arturo Cisneros en http://cinegramas.wordpress.com/
Un tema interesante para la productividad del sentido,
formas y efectos en el cine, y que deriva de su sistema interdisciplinario,
particularmente desde su relación con la literatura, es su capacidad de recrear
la misma historia, con diferentes recursos y, por ende, diferentes
interpretaciones. Consideremos por un momento la literatura dramática
de Shakesperare. Hay películas que tratan de rescatar la identidad original de la obra dramática, con
todos sus componentes e incluso ir más allá, para llegar al contexto primario
que le sirvió de inspiración, como es el caso de “Romeo y Julieta” de Zefirelli(1968); hay películas que de - construyen la obra para llegar al motor pasional
de su funcionamiento, compuesto de impulsos, relaciones y acciones, para
luego reconstruir en torno a lo descubierto, con una nueva piel de lenguaje
cinematográfico, como es el caso de “Ricardo III” de Richard Loncraine ( 1995)
; hay películas que llegan aún más lejos, a la enunciación misma de la obra y la representa, reordenando el proceso
en función de lo revelado,
como “ El libro de Próspero“
de Greenaway ( 1991). Son tres niveles de procesamiento de una obra, que
consideran el enfoque histórico, valórico y enunciativo como marcos
fundacionales de sus creaciones.
Romeo and Juliet (1968) - What Is A Youth (Music Video)
Richard III - Ian McKellen - Original Trailer
Peter Greenaway 1991 Prospero's Books (sub español)
Otra interacción importante en el sistema
interdisciplinario del cine se da con la pintura. La pintura
ha sido una fuente constante para la construcción de los planos
cinematográficos. El lenguaje cinematográfico y la pintura comparten recursos y
estrategias de la generación de sentido a través de la composición, enfocada
desde la estética
y desde las estructuras del lenguaje cinematográfico; comparten también la
vocación de construir un universo simbólico, que se adentra en los significados
de la existencia, en determinado tiempo y espacio.
En el nivel estético, en la interacción entre la representación – significación de un mundo
frustrante para el individuo y el contenido de ideas y valores que se
expresan en lenguaje cinematográfico, la relación entre la pintura de Francis
Bacon y la película de Bernardo Bertolucci “ El último tango en Paris “, es una
relación emblemática para la multiplicación de los niveles en que puede funcionar.
Los lienzos de Bacon declaran una lucha
inherente al ser humano entre la racionalidad de las convenciones
socioculturales y una búsqueda hacia la comprensión de la propia existencia a
través de pulsiones instintivas, aparentemente reprimidas: la promiscuidad, el
desequilibrio emocional, la tentación del suicidio, la voluntad del asesinato o
la obsesiva compulsión de la persecución. Esa temática, más allá del
significado lingüístico, es la que predomina en la obra de Bertolucci.”
Francis Bacon y El último tango en París | Manuel García Pérez http://luzdelosescombros.blogspot.pe/2013/11/francis-bacon-y-el-ultimo-tango-en-paris.html
“La estructura fragmentaria de la película que reconocemos
en la frecuencia de primeros planos y planos detalle se asemeja a la visión
poliédrica al mismo tiempo que difusa de los personajes baconianos. En la
película, rara vez hay amplitud de espacios, sobre todo cuando los interiores,
como los que observamos en Bacon, nos conducen a escenarios sin determinación
geográfica o topográfica, con un cromatismo áspero
y terroso, cuya desnudez no está exenta de una arquitectura
laberíntica y claustrofóbica: la habitación alquilada, los baños, el salón de
baile o los escuetos cuartos del motel.”
“Lo objetual también incide en esa opacidad de rostros y en
esa indefinición expresionista de los perfiles. Todo es confuso; la
fragmentación es casi pulverización o desintegración de la carnalidad en la
estética de Bacon. Los vidrios esmerilados y translúcidos, los espejos rotos,
un abrigo o un sombrero en el suelo, los silencios, las conversaciones
espontáneas y sarcásticas, una navaja, un revólver en los bolsillos, tranvías y
funiculares que recorren París -sin que el espectador conozca su destino-
refuerzan esa analogía entre lo fílmico y lo pictórico.”
Francis
Bacon y El último tango en París | Manuel García Pérez http://luzdelosescombros.blogspot.pe/2013/11/francis-bacon-y-el-ultimo-tango-en-paris.html
Más
allá de las relaciones mencionadas, Bernardo Bertolucci utiliza dos cuadros de
Francis Bacon directamente para ilustrar la secuencia de créditos de la
película:
Otros directores de cine que entablaron vínculos
particulares con la obra de Francis Bacon : David Lynch, David Cronenberg y
Stéphane Sednaoui.
Pero la influencia se da en los dos
sentidos. Bacon trabajó cuadros a partir de los encuadres fotográficos – cinematográficos de Eadweard Muybridge
, por el tratamiento del cuerpo, sobre todo
las escenas de luchadores.
Otro director que apela a la interacción cine – artes
visuales , que usa el dibujo, la arquitectura, la caligrafía y la pintura en su
construcción cinematográfica en películas como Los libros de Próspero, El contrato
del dibujante, El vientre de un arquitecto, The Pillow Book , La ronda de noche, es Peter Greenaway. En The Pillow
Book (1996) hace una referencia explícita a la obra de Utamaro, el pintor
japonés del siglo XVIII, que fue retratado también en la película “Cinco
mujeres alrededor de Utamaro “(Kenji Mizoguchi, 1946).
Otros ejemplos: David Lynch considera su película Cabeza
Borradora (1977), un tributo a Salvador Dalí.
Akira Kurosawa en “Los sueños
de Akira Kurosawa”
(1990) ingresa con uno de los episodios
de la película en la pintura
de Van Gogh. Derek Jarman,
en “Caravaggio” (1986) emplea para la película las composiciones de la pintura de Caravaggio . Andrei Tarkovski se inspira en las pinturas
de Andrei Rublev, pintor de
iconos ruso del s. XV, para la película con el mismo nombre. En Moulin Rouge,
de John Huston (1952) se hace evidente la estética de los pintores
impresionistas franceses. Luchino Visconti se inspira para sus películas en la
pintura del siglo XIX ( en Senso, por ejemplo donde eligió el cuadro de
Francesco Hayez , El beso /1859 para construir la composición): Giovanni
Boldini, Francesco Hayez, Giovanni Fattori, Silvestre Lega, Cristiano Banti, etc.
Pier Paolo Pasolini se inspira para la
película El Decamerón ( 1971) en las pinturas de Giotto. En “Mamma Roma” (1962) construye
el film con planos frontales, semejantes a la pintura del Trecento
y del Quattrocento italiano. La secuencia de la película en
la que aparece Ettore en una cama de la cárcel, tomada desde los pies hacia la cabeza,
fue interpretada por una gran parte de la crítica
como inspirada en la Lamentación ante el Cristo
muerto, de Mantegna. Otros ven inspiración de Pontorno, Giotto, Masaccio, y de modo más explícito, de Mantegna. Pasolini
en varias ocasiones lo desmiente, y dice
que Mantegna no tiene nada que ver, que tal vez podría hablarse de una absurda
y exquisita mezcla de Masaccio y Caravaggio.
«Mi gusto cinematográfico no es de origen cinematográfico,
sino figurativo. Lo que tengo en la mente como visión,
como campo visual,
son los frescos de Masaccio
y de Giotto, que son los pintores que más amo junto con ciertos
manieristas (por ejemplo, Pontormo)...» Pasolini, Pier Paolo (1962): Mamma
Roma. Milán: Rizzoli.
En La Ricotta ( El requesón, 1962) usa
los dos Descendimientos de los pintores Rosso Fiorentino y Jacopo da Pontormo,
del Cinquecento toscano, considerados manieristas por los colores y por los
tonos exasperados.
En “El evangelio según San Mateo”, tanto en la escenografía
como en el vestuario, se inspira en la pintura del cuatrocientos y
especialmente en la pintura de Piero della Francesca, por ejemplo para los vestuarios de los fariseos,
con sus sombreros en forma
de cestos, mientras
que las miradas entre Jesús
y los apóstoles son las miradas de Caravaggio; utiliza la panorámica lenta,
para asimilar la visión renacentista.
A través de la relación entre el cine y la pintura se crea
una intertextualidad que inserta el cine en las redes de la producción
artística ampliada a otras artes pero sobre todo se incorpora valores
estéticos, gracias al uso de la composición.
Un tema interesante de investigar sería la composición
plástica de películas como “Barry Lyndon”, de Stanley Kubrick, con su
iluminación tipo Vermeer. ¿ Qué otros ejemplos podemos encontrar?
[Comentario crítico]
ResponderEliminarPor: Daniel Omar Bernedo Chávez
The House That Jack Built (2018), dirigida por cineasta danés Lars Von Trier y protagonizada por Matt Dillon, es una película de terror psicológico que presenta una diversidad de referencias de la cultura popular y el arte universal.
La concepción de Jack, el protagonista, entre el ideal de arte y el asesinato, se expresa en un diálogo con Verge, su guía, sobre hechos aleatorios de su vida y “obra”. Las obras de arte que Von Trier emplea en la película, característica simbología visual, complementan implícitamente el diálogo entre los personajes principales.
Un ejemplo de ello es en el intervalo de tiempo (9:47 min) donde Jack, el protagonista hace alusión al arte y a Dios, momento exacto donde menciona “al gran arquitecto que está detrás de todo esto”, exacto instante de la imagen de Urizen, personaje de la mitología del pintor británico William Blake. Urizen es personificado como un anciano de tez blanca con cabello largo y barba, encarna la sabiduría y ley.
En palabra e imagen, desde el minuto 9:50, Jack comenta sobre el arte gótico y la materia: “(…) Representa el arte. Lo mismo sucede con el asesinato. Elegantes arcos apuntados han reemplazado a los anteriores y más primitivos arcos de medio punto. El arte de la ingeniería se ocupa sobre todo de la estabilidad. Para que todo se mantenga en pie, a pesar de las diversas fuerzas ejercidas en los edificios. Así pues el arco apuntado ofrecía la posibilidad de construir edificios de mucha mayor altura y más luminosos. A menudo digo que el material hace el trabajo. En otras palabras, tiene una especie de voluntad propia. Basta con seguirla, para conseguir un resultado de lo más exquisito. (…)”
A lo largo de la película, podremos encontrar y notar la intertextualidad y el complemento esencial de las obras de arte con los sucesos (y por suceder en la trama). Asimismo, el debate entre Jack y Verge toma intensidad mientras la historia se desarrolla. Resalto una mención que hace Jack en el intervalo de tiempo (1:10:00 aprox.): “No te fijes en las acciones, fíjate en las obras”.
Eso y mucho más, es lo que nos presenta The House That Jack Built. Desde la arquitectura griega y romana, por el arte europeo occidental, hasta las vanguardias y la irrupción de la contemporaneidad, entre lo alegórico y lo real, el diálogo y los actos primordiales alcanzan su éxtasis, con la convergencia del hombre y su ideal de belleza.
Referencia prima a mencionar: La barca de Dante (1822) de Eugene Delacroix.
P.D: No he mencionado todos los referentes ya que considero esta película para desarrollar en un trabajo de mayor análisis y compromiso. Simplemente, espectacular.
Complementos:
Eliminar01 Referente popular: El asesino serial Ted Bundy.
01 Referente musical: El pianista Glen Gould.
Como otro ejemplo de esta relación que existe entre el cine y la pintura podemos mencionar al artista M.C. Escher, quien ha ejercido una gran influencia en una multitud de creaciones artísticas. En sus obras pictóricas manifiesta la continuidad, el infinito, la simetría, incluso las estructuras matemáticas, estos mismos temas son desarrollados por cineastas que recurren a este artista para plasmar sus ideas. Podemos mencionar la película “Inception” (2010) de Christopher Nolan donde en una escena se hace alusión a la obra de Escher “Escaleras arriba y escaleras abajo” (1960).
ResponderEliminarOtros dos cuadros de Escher que podemos ver referidos en varias otras producciones cinematográficas son “Relatividad” (1953) y “Cóncavo y convexo” (1955) estas son la inspiración, por ejemplo, de las escaleras mágicas del castillo de Howgarts de la saga de Harry Potter. Sin duda la película en donde se ve de forma más explícita la atribución a este artista es “Dentro del laberinto” (1986) de Jim Henson, donde vemos a al cantante David Bowie interpretar un número musical en un escenario igual al cuadro “Relatividad”.
Como ejemplos adicionales a la intertextualidad, mencionaré primero a una de las películas que recoge más referencias de otras películas, cómic e incluso videojuegos como lo es “Looney Tunes: De Nuevo en Acción” (2003), dirigida por Joe Dante, donde puede verse la escena en la ducha de la película “Psycho” (1960) personalizada por el famoso conejo Looney; o las conocidas obras de arte en la persecución del museo: “La persistencia de la memoria”, conocido también como Los relojes blandos o Los relojes derretidos de Dalí donde el Pato Lucas y Bugs Bunny se van derritiendo mientras huyen del cazador, “El grito” cuando este último exclama de dolor, las danzas europeas, entre otros; otras películas como: “James Bond”, “Indiana Jones” y “Star Wars”. Otra película también animada, es la saga de Shrek donde recoge a los diferentes cuentos infantiles como personajes de la misma historia.
ResponderEliminarPor último, está también “La pasión de Cristo” (2004) de Mel Gibson, en relación con la literatura bíblica, porque recrea no solo los pasajes de las Escrituras sino también incluye visiones de la beata alemana Ana Catalina Emmerick, dándole así un peso más espiritual a los hechos contados; además, está presente el uso de recursos como el idioma latín y arameo desde su originalidad dando realce a la cultura, tradición y religiosidad.
En la relación entre el cine y la pintura se tiene varios ejemplos de películas, una de ellas es la película la Isla siniestra (2010), donde Leonardo DiCaprio dirigida por Martín Scorsese, la escena donde DiCaprio abraza a Michelle Williams está inspirada en la pintura de Gustav Klimt, el beso, en la película se ve la escena del vestido de Michelle Williams es idéntico al color que mas sobresale en el fondo de la pintura el beso. Dinero caído del cielo (1981), es una película ambientada en Chicago, una de sus escenas tiene influencia en la pintura famosa los Noctámbulos de Edward Hooper, otra película es las aventuras del Barón de Munchausen (1988), en ella se ve una escena basada en pintura el nacimiento de Venus, de Botticelli. En la película Viridiana (1961), se escenifica la pintura de La última cena, en la película la pintura se recrea en colores blanco y negro. No olvidemos a la Naranja mecánica (1971), hay una escena donde los reos que están dando vueltas en círculo tiene una influencia, en La ronda de presos de Van Gogh. Por último, la película El Decamerón (1971), de Pier Paolo Pasolini en una escena se ve que la película está influenciada por la pintura renacentista el Juicio final de Giotto di Bondone.
ResponderEliminarPor: Juliana Zegarra
Dentro de la influencia del arte en el cine tenemos a: En primer lugar tenemos a Sylvia von Harden por Otto Dix (1926) frente a la versión de Cabaret (1972) de Bob Fosse. En segundo lugar, La casa junto a la vía del tren (1925) de Hopper frente a la casa de Psicosis (1960) de Hitchcock. En tercer lugar, Ofelia de Millais (1852) con Kirsten Dunst para el cartel de Melancolía (2011). Y en cuarto lugar a la serie de piscinas pintadas en los años 60 - 70 por otro representante de la Escuela de Londres, David Hockney, que ha inspirado varias escenas de la película La mala educación de Pedro Almodóvar, en algunos casos se trata casi de tableaux vivants. Almodóvar reproduce la composición y la gama cromática de los cuadros de Hockney y también su temática y contexto.
ResponderEliminarOtro ejemplo de la interdisciplinaridad en el cine es "Les glaneurs et la glaneuse". En esta obra cinematográfica dirigida por Agnès Varda, se hace referencia a dos pinturas del realismo francés, “Las espigadoras” de Jean-François Millet y “La espigadora” de Jules Breton. La última incluso se utiliza como inspiración para elaborar una composición similar en la cual Varda posa como una espigadora pero, en un lugar de sostener espigas de trigo, posa con una cámara. En definitiva, la directora de este documental encuentra inspiración en los cuadros de estos autores; porque, como ella recogen lo que ha quedado de la cosecha, por así decirlo. En otras palabras, retratan a la “gente real”, como Agnès Varda llama a los protagonistas de sus historias en una entrevista realizada por Sheila Heti.
ResponderEliminarLa relación que existe entre el arte y la producción cinematográfica se puede evidenciar también en la película "El laberinto del fauno" (2006) de Guillermo del Toro, en la escena del monstruo sin ojos devorando una de las hadas arrancando su cabeza. Esta escena está inspirada en la obra de Francisco de Goya "Saturno devorando a su hijo". Cabe mencionar que el arte de Goya ha influenciado no solo películas sino también series animadas como "Shingeki no Kyojin" de Hajime Isayama, cuya trama en general están inspiradas en dicha obra, además de "El coloso". Esto se ve reflejado también en la constante idea de insignificancia del ser humano ante la magnitud de este ser gigante. Por otro lado, el director Martin Scorsese se inspiró en la obra "La vocación de San Mateo" de Caravaggio, para el trabajo de iluminación en las escenas de los bares de su película "Mean Streets" (1973). Asimismo, se tomó la fotografía como fuente de inspiración, como es el caso de la película "The Shining" (1980) de Stanley Kubrik, en la que se toma como referencia la fotografía de Diane Arbus, "Gemelas idénticas". Por último, la famosa obra "La muerte de Marat" se ve representada en las películas "The Godfather II" de Francis Ford Coppola y "Fight Club" de David Fincher.
ResponderEliminarPor: Rosa Díaz Nuñez
Otro ejemplo lo podemos encontrar en el primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent"(2017). Es un film biográfico de Van Gogh en el que cada fotograma es un cuadro pintado sobre óleo, tal y como el propio Vincent lo hubiera pintado. No se dibujó mediante un ordenador, tampoco de una manera tradicional, sino que se escogió plasmar el estilo pictórico del artista, es la primera demostración de la técnica de “cine al óleo”. Sus 80 minutos de duración están compuestos por 56.800 fotogramas que han sido pintados, uno a uno, por una gran cantidad de excelentes pintores (más de cien) a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y el arte magistral de Van Gogh. En suma, es una película que nos brinda el mundo en óleo, con sensación de vida y de movimiento, que nos interna en el espíritu y pensamiento del artista, como si viéramos el mundo a través de sus ojos.
ResponderEliminarPor: Gisselli Távara Voysest
En la composición cinematográfica (películas o video musicales) podemos encontrar diversos ejemplos. En el espacio cinematográfico, por ejemplo, la película “Melancholia” (2011) de Lars Von Trier, podemos ver a Justine recostada, de la misma forma que lo hace “Ophelia” (1852) del pintor John Everett Millais. Además de que el mismo personaje, Justine, se encuentra en una depresión y retrospección.
ResponderEliminarEn otro caso podemos ver en “Dreams” (1990) de Akira Kurosawa, el sexto sueño nos muestra un monte Fuji en rojo. Esta imagen, es similar al “Fuji Rojo” (1831) de Katsushika Hokusai. En los videos musicales, como es en caso de Radio (2019) del grupo Rammstein, encontramos una escena de protesta y resalta la imagen central de una mujer. Similar a la composición de “La libertad guiando al pueblo” (1830) de Eugène Delacroix. Otro ejemplo, en la composición plástica, podría observarse en la portada de un videojuego, “The legend of Zelda: Breath of the wild“ (2017), Link está a espaldas del espectador mirando hacia al horizonte, de la misma forma que la obra de Caspar Friedrich David, “El caminante sobre el mar de nubes” (1818).
Por: Luz Huarac
La relación que existe entre el arte y la producción cinematográfica se puede apreciar también en la película Watchmen (2009) de Zack Snyder, al inicio de la película cuando la heroína Sally se retira del grupo de los vigilantes aproximadamente en el minuto 07:18 la composición de esta escena se encuentra inspirada en la “Ultima Cena” de Leonardo Da Vinci. O en el minuto 9:58 vemos a un Andy Warhol presentando un díptico del Búho Nocturno en alusión a la obra del Díptico de Marilyn (1962).
ResponderEliminarLa película también presenta referentes a fotografías como es el caso de “El Beso o V-J Day in Times Square”(1945) de Alfred Eisenstaedt, en este caso representado por la heroína Silueta y una enfermera. O “Muchacha ofreciendo una flor a los soldados” de Marc Riboud representado en el minuto 09:42.
Para concluir en la película Ready Player One (2018) de Steven Spielberg presenta una gran cantidad de referencias a la cultura pop, desde videojuegos, caricaturas y piezas de arte.
Puedo dar como ejemplo, espero sea aceptable, de la película animada de Peabody y Sherman cuando es la parte que llegan a la antigua Italia, al tiempo de Leonardo da Vinci. Justamente, Da Vinci se encuentra retratando a la Monalisa pero el problema es que él necesitaba que ella sonriera de manera espóntanea. Aquí se puede ver que la relación de la pintura real con la animación. Por otra parte, también cuando están con Van Gogh. Esto es muy interesante ya que puede despertar interés a los que vean las películas a buscar más sobre artes o la historia en sí .
ResponderEliminarBy: Raffaella Granara