martes, 12 de noviembre de 2013

La diáspora del western

Desde Edwin S. Porter, quien, en 1903 realizó “Asalto y robo de un tren” se dieron a conocer diversas tendencias o subgéneros: el western clásico , donde resalta  John Ford, autor de  “La Diligencia”, “El hombre que mató a Liberty Balance”, “Pasión de los fuertes” o “Centauros del desierto”;  Howard Hawks con “Río Rojo”, “Río Bravo”; William Wellman ( “Caravana de mujeres”); Bud Boetticher (“Los cautivos”); Anthony Mann (“Veracruz”);  el western moderno de  Raoul Walsh (“Murieron con las botas puestas”); Fred Zinnemann, con “High Noon” ( 1952),  Nicholas Ray (“Johnny Guitar”); Delmer Daves (“Flecha rota”); King Vidor (“Duelo al sol”);  el  Western crepuscular (Arthur Penn y “Pequeño gran hombre”; Sam Peckinpah y “Mayor Dundee”;  Clint Eastwood y “Los imperdonables” o Lawrence Kasdan y “Silverado” )  el spaghetti western, con Sergio Leone (“La muerte tenía un precio”, “El bueno, el feo y el malo”).
La Diligencia (1939)

Murieron con las botas puestas Walsh, 1941 Despedida

Por un puñado de dolares – caballo


El western re-crea las condiciones del enfrentamiento entre el caos y el orden, desde la perspectiva de la necesidad de establecer estructuras de convivencia, tomando en cuenta el rol del líder, del héroe, del antihéroe, de las masas y de las figuras prototípicas institucionales que representarían la civilización. Por su carácter fundacional, hay muchos elementos en común: la dialéctica del bien y del mal; el sacrificio de uno para el bien de varios; la lucha por el poder; los impulsos pasionales versus la razón; valores como honor, amistad, justicia;  anti-valores como codicia, racismo, ansias de venganza. El espacio  cinematográfico cuenta con elementos con capacidad de expresión metafórica: el paisaje árido, el camino, la iglesia, la taberna, la estación, la diligencia,  la granja, los caballos, el ganado, la cárcel. El western es un cine de espacios e imagen, con una  gran capacidad de discurso visual; la música es un complemento de gran relevancia.
El western ha evolucionado en el uso de sus categorías y sus identificadores . Por ejemplo, los indios  pasaron a ser personajes dignos y honorables en vez de los malignos salvajes de las películas más antiguas; los protagonistas pasaron a ser más complejos, transformándose según lo vivido. Pero su evolución es aún más evidente si se ve su diáspora.  
“El cine estadounidense ha usado las películas del oeste para escribir su propia leyenda, relatando el proceso de formación de su país y haciendo exaltación de héroes que personificaban los valores culturales americanos”.
Es verdad que es un tipo de película que se asimila automáticamente a Estados Unidos, donde nace y cuya historia evoca, pero su diseño moralista y estructura de interacciones han sido apropiadas por otros cines, donde , en una visión intercultural, replantea sus contenidos y valores, en un registro dramático, o cómico y mixto.
Entre las manifestaciones de la fusión entre el western como “ formula “ norteamericana y otras culturas, mencionaríamos dos : la japonesa y la checa.
Para el  cine japonés me remito en primer lugar a “Los siete samuráis” de Akira Kurosawa(1954): “Rememorando a Akira Kurosawa: Una lectura de “Los siete samuráis” (I)” http://guionactualidad.uab.cat/?p=2281



Criterion Trailer 2: Seven Samurai

On the Violence of Seven Samurai

 Inspirada en los western de John Ford,   es a su vez fuente de inspiración para “Los siete magníficos”, dirigida por John Sturges en 1960;  Beach of the War Gods de 1973;  Battle Beyond the Stars de 1980 (cuyo título se tradujo al español como “Los siete magníficos del espacio”), “Mundo Salvaje”, dirigida por Lee Katzin en 1988, o “Saat Hindustani” de 1969, dirigida por Khwaja Ahmad Abbas .
En 2007 se estrena   "Sukiyaki Western Django"  de Takashi Miike.







‘Sukiyaki Western Djnago’ es un homenaje a los Spaghetti Western : Django es un personaje creado por Sergio Corbucci para la película homónima del año 1968, protagonizada por Franco Nero. La película de Takashi Miike está ambientada en el Japón medieval, con katanas y pistolas, y anacrónicos trajes de vaqueros que remplazan  las armaduras de  samurái. No es una película histórica, sino una creación que mezcla elementos para crear una ficción cultural.

Official Sukiyaki Western Django Theatrical Trailer

sukiyaki western django (TAKASHI MIIKE) clip

Yendo hacia Europa, nos encontramos con “Limonada Joe” una película de Oldrich Lipský, aproximación checoslovaca al western americano, mediante la parodia y la sátira. A su manera es homenaje al cine mudo de vaquero, con el tratamiento de una fantasía animada,  pero reemplazando el  blanco y negro por una serie de llamativas gammas bicolor, con especial predominio del amarillo (limón). Limonada Joe es un pistolero que solo bebe limonada Cola-Loca y es capaz de matar una mosca de un disparo. No es sólo la caricaturización de los estereotipos  del western, sino una deconstrucción del  género. 

Kolalokova limonada

Limonádový Joe (maturitní video 4.B GJVJ 05/09 1.část)

Limonádový Joe Balada Mexiko Kida

¿ Cuáles otras películas encontraríamos en la diáspora del western ?

Mihaela Radulescu / 11 de noviembre del 2013

miércoles, 30 de octubre de 2013

El drama : el individuo versus la sociedad

Desde La última carcajada ( 1924) de Murnau el drama ha estado siempre presente, con contenidos psicológicos, sociales , culturales. El cine de todos los continentes le han dado el lugar privilegiado, con directores como Orson Wells, Martin Scorsese, Stanley Kubrick, Roman Polanski, Francois Truffaut,  Kristof Kieslowski , Tian Zhuangzhuang, Milos Forman, Vittorio de Sica, Tony Richardson, Wim Wenders, etc.
¿Qué es el drama ? El drama es la representación concentrada y simbólica de las tensiones psicológicas y sociales que el ser humano experimenta en medio de las interacciones en las que se ve implicado. A diferencia de la tragedia y la comedia, el drama está abierto a lo imprevisible, se llena de variables contextuales y depende en gran medida de las condiciones externas, del entorno en el cual se ve inmerso el ser humano. El drama nace de la condición social del hombre, y todo lo que esta implica, los riesgos, las amenazas, las responsabilidades. A menudo, en el drama hay una tensión manifiesta y actuante entre el ser interno de uno, con sus deseos y temores genuinos y el ser social que se debe a reglas y convenciones.
El drama, en el teatro o en el cine, es el espectáculo de la crisis que concentra simbólicamente esta tensión esencial. La historia del drama cinematográfico es sustantiva ; cada película puede escoger un ángulo desde el cual abordar el mapa de las vivencias dramáticas pero siempre se trata del individuo versus la sociedad.
Escogeremos para ilustrar la problemática del drama cinematográfico la película de Margarethe von Trotta “ Hannah Arendt” , sobre la filósofa alemana autora del libro  ‘Eichmann en Jerusalén’. Adolf Eichmann, el líder nazi , responsable del proyecto de la “ solución final” , fue juzgado en 1961 en Jerusalén.  La revista The New Yorker envió a Hannah Arendt como corresponsal. Esta,  una filósofa judía de origen alemán exiliada en Estados Unidos, conocida en aquel momento por el libro “Los orígenes del totalitarismo”, redactó una serie de artículos que luego fueron publicados como libro, subtitulado “Sobre la banalidad del mal”. Hubo muchas protestas por parte de  asociaciones judías estadounidenses e israelíes.
Hannah Arendt - La banalidad del mal

Hannah Arendt. Pensar apasionadamente 1/4


El malentendido sobre Hannah Arendt / por Monika Zgustova
“Tres fueron los temas de su ensayo que indignaron a los lectores. El primero, el concepto de la “banalidad del mal”. Mientras que el fiscal en Jerusalén, de acuerdo con la opinión pública, retrató a Eichmann como a un monstruo al servicio de un régimen criminal, como a un hombre que odiaba a los judíos de forma patológica y que fríamente organizó su aniquilación, para Arendt Eichmann no era un demonio, sino un hombre normal con un desarrollado sentido del orden que había hecho suya la ideología nazi, que no se entendía sin el antisemitismo, y, orgulloso, la puso en práctica. Arendt insinuó que Eichmann era un hombre como tantos, un disciplinado, aplicado y ambicioso burócrata: no un Satanás, sino una persona “terriblemente y temiblemente normal”; un producto de su tiempo y del régimen que le tocó vivir.
Lo que dio aun más motivos de indignación fue la crítica que Arendt dispensó a los líderes de algunas asociaciones judías. Según las investigaciones de la filósofa, habrían muerto considerablemente menos judíos en la guerra si no fuera por la pusilanimidad de los encargados de dichas asociaciones que, para salvar su propia piel, entregaron a los nazis inventarios de sus congregaciones y colaboraron de esta forma en la deportación masiva. El tercer motivo de reproches fueron las dudas que la filósofa planteó acerca de la legalidad jurídica de Israel a la hora de juzgar a Eichmann.
De modo que lo que esencialmente provocó las críticas fue la insumisión: en vez de defender como buena judía la causa de su pueblo de manera incondicional, Arendt se puso a reflexionar, investigar y debatir. Sus lectores habían esperado de ella un apoyo surgido del sentimiento de la identidad nacional judía y de la adhesión a una causa común, y lo que recibieron fue una respuesta racional de alguien que no da nada por sentado. En palabras de Aristóteles, en vez de limitarse a ser una “historiadora”, Arendt se convirtió en “poeta”.
Sus adversarios llegaron a ser muchos; el filósofo Isaiah Berlin no quería ni oír hablar de ella, y el novelista judío Saul Bellow afirmó que Arendt era “una mujer vanidosa, rígida y dura, cuya comprensión de lo humano resulta limitadísima”, aunque otra conocida escritora, Mary McCarthy, publicó en Partisan Review un largo ensayo en apoyo de Eichmann en Jerusalén. Así, el libro de Arendt generó en los sesenta toda una guerra civil entre la intelectualidad neoyorkina y europea.”
El drama presentado por la realizadora alemana Margarethe von Trotta  recoge escenas del juicio en Jerusalén, extraídas de los archivos y otros documentos, de la estancia de Eichmann en Jerusalén, para volver a plantear el tema de  la “banalidad del mal”, conforme al cual, así como Arendt lo había subrayado,  muchos malhechores pueden ser personas normales, gente corriente que renuncia a pensar una vez que se adapta a parámetros ( macronarrativas, reglas, paradigmas).
Se enfoca el exceso  en el seguimiento de las reglas, a lo establecido,  debido a la  incapacidad de cambiar, por lo tanto de adaptarse a nuevas condiciones. Arendt resaltó en el libro  la rebelión de Eichmann contra las órdenes de Himmler quien, al aproximarse la derrota, recomendó un mejor trato a los judíos, mientras que Eichmann “se esforzó por hacer que la solución final lo fuera realmente”, escribió Arendt.
La filósofa mostró a Eichmann como un burgués solitario, con una vida intrascendente que optó por  la ideología nacionalsocialista que se convirtió en su marco referencial mental y lo aplicará hasta el final, como único conjunto de contenidos sin posibilidad de cambio. “Lo que quedó en las mentes de personas como Eichmann”, dice Arendt, “no era una ideología racional o coherente, sino simplemente la noción de participar en algo histórico, grandioso, único”.
El drama alcanza valores universales, al implicar al ser humano como elemento dependiente al 100% de un marco cultural ideológico, no impuesto sino aceptado, requerido, por falta de libre albedrío e capacidad de pensar y reaccionar ante  las condiciones cambiantes de la existencia. Al vivir completamente dependiente de un conjunto de valores colectivos, el individuo puede transformarse en un individuo solitario por excelencia , peligroso para la comunidad, enemigo de la misma.
La ´película se construye a partir de esta visión. Recibió varios premios : 2012: 2 Premios del Cine Alemán: Mejor actriz (Sukowa) y mejor película de plata; 6 nom.2012: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Plata; 2012: Festival de Tokyo: Sección oficial.
Estrenos de Cine: Hannah Arendt

Hannah Arendt Película 2013. 4 Reflexión sobre la banalización del m

¿ Qué momentos nucleares de intensidad dramática podrían identificarse en la película ?
Mihaela Radulescu/28 de octubre del 2013


miércoles, 25 de septiembre de 2013

El gag en la comedia cinematográfica


La comedia se relaciona siempre con lo cotidiano, llevado a una manifestación exagerada de sus rasgos de inadaptación, que – en vez de generar dramatismo – provocan la risa gracias a un mecanismo de distanciamiento que implica a los propios actores. Los personajes son bastante lineales y transparentes.  
“Los personajes de comedia, no son personajes misteriosos o complicados de comprender. Por lo general, el espectador no tarda en comprender sus motivaciones y objetivos….Aunque muchas de las acciones de estos personajes son inmaduras y casi incoherentes, muchas veces resuelven los enredos en que se encuentran con grandes despliegues de inteligencia, o también gracias a la suerte; La suerte es un elemento siempre presente en las comedias. Los personajes a veces son muy afortunados, y se salvan de los problemas por meras casualidades, parecen “evitar” el peligro, pero otras veces, la suerte no está de su lado, y se producen coincidencias que resultan en grandes impedimentos para los personajes. Este accionar de los personajes se toma, muchas veces, como elemento para crear la comicidad, ya que como el espectador comprende la naturaleza infantil o torpe de los personajes, su suerte o desdicha, relacionar sucesos posteriores con estas características es muy sencillo e invita a la comicidad. “ La construcción del gag y el humor en la comedia del cine clásico. Por Merluzzi, Marina http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/vista/detalle_articulo.php?id_articulo=6823&id_libro=275
En el marco de la comedia, que pueden apostar sobre el espectáculo de situaciones, caracteres, discursos verbales, visuales y audiovisuales, el gag, heredado del teatro popular, cuenta con enfoque especial, que no ha dejado de funcionar, desde los inicios del cine hasta ahora. El gag es básicamente situacional y sobredimensionado; es una respuesta rápida e inesperada a una situación   que difícilmente podría solucionarse de la manera en que el gag lo hace en lo cotidiano. Por ende, el gag nos introduce a menudo en una dimensión absurda.
“Los gags pueden ser verbales, descritos a través de diálogos ingeniosos (como los escritor por directores como Billy Wilder y Blake Edwards) o visuales, donde una imagen vale más que mil palabras (Buster Keaton, Chaplin, Mr. Bean…).Existen los gags repetitivos, donde el guionista o director presenta una situación repetida a lo largo de la película, pero con ligeras variaciones. Estos gags son muy agradecidos por el espectador, ya que cuando los descubre cada vez que vuelven a aparecer le resulta sumamente divertido. También están los gags fuera de campo, mientras vemos en primer término una escena con un “diálogo serio” vemos algo divertido por detrás.” http://www.zoom1215.es/index.php?option=com_content&view=article&id=82&Itemid=98
Los gags aparecen en el cine mudo; los encontramos en el cine francés e inglés pero sobre todo los encontramos en los inicios del cine norteamericano.
“El primer gag del cine (cine mudo) se encuentra precisamente en la primera película hecha por los hermanos LOUMIÉRE en PARÍS en Francia en el año 1895. Esta película, en francés se titula L’Arroseur arrosé (EL REGADOR REGADO).” http://jovialiste.wordpress.com/2009/02/11/algunos-gags/
Una historia especial del gag se desarrolla en el cine de animación.
Regresando a los inicios de la comedia cinematográfica con gags, podríamos mencionar a Charles Chaplin, Mack Sennett, Roscoe Fatty Arbuckle, Buster Keaton, Max Linder, Harry Langdon o Harold Lloyd, Laurel y Hardy  y Los Hermanos Marx, que trazan un mapa de hacedores de gags, tanto en el cine mudo como en el cine sonoro, en sus inicios. Se trata básicamente de la construcción de personajes, destinados a enfrentar dificultades y a resolverlas de una manera lúdica y fantasiosa. El gag es un producto del imaginario que lo representa en tanto que poder de superación de los problemas y en este sentido, no pretende ser verosímil, sino espectacular. Sus personajes se definen en el límite de lo absurdo e inverosímil, pero almacenan, expresan , ponen en acción y realizan los deseos y las fantasías de la memoria colectiva, encaminadas a superar las frustraciones de una condición limitante.   
Mack Sennett:
·       KEYSTONE COMEDIES with MACK SENNETT SILENT CLASSICS

Chaplin
·       TIEMPOS MODERNOS (Charles Chaplin)

·       El Gran Dictador - Escena del Globo Terráqueo



Buster Keaton
·       Buster Keaton The High Sign (Tiro a segno) 1921
Harold Lloyd
·       Harold Lloyd's "Safety Last"- 1923
Stan Laurel and Oliver Hardy (El Gordo y el Flaco)
·       Stan Laurel and Oliver Hardy - Below Zero,1930...DICK UND DOOF
Los hermanos Marx
·       Una noche en la Ópera, escena de las camas
·       Los Hermanos Marx (Gag)
Esta tradición continua en EEUU con Jerry Lewis, Jim Carray y es incorporada a la construcción de personajes de muchos actores como Adam Sandler, Eddy Maurphy,  Steve Carrell.
·       Jerry Lewis, La máquina de escribir
·       Ace Ventura When Nature Calls: Tribal Fight (Full Scene)      
·       La Mascara - Coco Bongo HD Latino
Los gags forman en las comedias situacionales núcleos de comicidad.
·       Some Like It Hot, chapter 7
·       Some like it Hot - Final Scene
Mientras que en las películas de Woody Allen es gag es verbal.
Poderosa afrodita (1995) de Woody Allen (El Despotricador Cinéfilo)
En Inglaterra, la tradición de los gags cinematográficos integra grandes nombres como Blake Edwards , Peter Sellers , el colectivo Monty Python o el Mr. Bean, de Rowan Atkinson. El humor es fundamental.
·       p. sellers - la fiesta inolvidable – Zapato
·       Peter sellers - La fiesta inolvidable
·       Pink Panther Peter Sellers scenes
·       Monty Python - The restaurant (Subtitulado en Español)
·       Monty Python - Storytime (Subtitulado en Español)
·       Monty Python - "Abuelitas pandilleras" (subtitulado)
·       Mr. Bean at a Restaurant
·       Bailes Mr.Bean
Queda por seguir investigando la versión francesa del gag, con Jacques Tati, Fernandel,  Pierre Richard y Luis de Funés.
En la actualidad los gags han encontrado un espacio adecuado en las parodias cinematográficas, como en “ ¿Donde está el piloto ? o las  “Scary Movie”.
Mihaela Radulescu/23 de septiembre del 2013